5 años han pasado desde la
publicación de The King Of Limbs, uno de los puntos bajos en la discografía de
Radiohead para esta redacción. Tras tanto tiempo transcurrido y considerando el
historial de reinvención y búsqueda musical constante de la banda, la verdad es
que no sabíamos a qué atenernos: ¿Buscarían nuevamente crear ese nuevo sonido
que cambió la historia de la música (Ok Computer, Kid A), se inclinarían por
denunciar las vicisitudes del mundo actual (Ok Computer, Hail To The Thief) o
(lo más probable) harían algo totalmente diferente?
En un año donde el mundo de la
música evidencia como nunca el cambio en la industria, pues hemos estado
constantemente a punto de morir de un infarto con los lanzamientos sorpresa de
James Blake, Anohni y, yendo un poco más lejos, Beach House el año pasado. En
ese marco, y en el de una banda acostumbrada a hacer statements en cada
lanzamiento como Radiohead, aunque lo tenían difícil, nuevamente lograron
sorprendernos. Esta vez borrando toda la información de sus plataformas
digitales y lanzando breves adelantos vía Instagram, con tan solo horas de
diferencia con los estrenos oficiales de las canciones respectivas. El mensaje
de una banda que renegaba de Spotify hace tiempo atrás, esta vez parece ser que
sí se puede hacer un uso inteligente y provocador de las redes sociales y que
ellas están a nuestro servicio y no al revés.
Instrumento predominante: violines
rabiosos y cuerdas filosas, reminiscentes del trabajo solista de Jonny
Greenwood y gentileza de la London Contemporary Orchestra (que participa en
gran parte del disco).
Temática: Cacería de
brujas, probablemente apuntando a diversos conflictos sociales actuales
incluyendo la crisis de los refugiados en Europa y la paranoia que los ha
acompañado (“This a low flying panic attack”). Su refuerzo audiovisual que
apela a imaginería inglesa infantil (acompañada de demanda por derechos de
autor) y a la película clásica de terror inglesa The Wicker Man.
Impresiones: Gran comienzo
del disco. Los dramáticos arreglos orquestales son de lujo y agregan una
tensión y sensación de caos que no escuchábamos desde el Hail to the Thief. De
hecho, algunas frases de la canción parecen provenir de dicha época, y así como
otras canciones de este disco, corresponde a una canción creada hace al menos
10 años.
2. Daydreaming
Instrumento predominante: Esta canción se construye sobre un delicado teclado, sin distorsiones y algunas atmósferas más bien oníricas.
Temática: Delicada y calma,
a primera oída habla de cómo los soñadores pueden fácilmente perder contacto
con la realidad en la búsqueda de concretar sus sueños, descuidando lo
realmente importante. El video muestra a un demacrado Thom Yorke atravesando
puerta tras puerta entre las que se encuentran distintos y luminosos
aconteceres cotidianos y ajenos a él, con los que no puede conectarse,
finalmente escapando para dormir, sin soñar, cansado de luchar. Si nos vamos a
la vida personal de Thom (Espías del Amor Indie #modeon), es como si idealizara
esos pequeños momentos del día a día vividos con su familia, ahora perdidos,
imposibilitado de volver el tiempo atrás #Pray4Thom.
Impresiones: Escuchada
dentro del contexto, después de un tema más bien intenso, queda claro que es
uno de los temas más tristes y medulares del álbum, el ejemplar perfecto de la
era AMSP.
3. Decks Dark
Instrumento predominante: Capas
superpuestas. Primero una tímida base, luego un teclado luminoso, una guitarra
distorsionada hasta lo irreconocible y un coro que completa la muralla de
sonido, dotando de épica y tragedia al tema.
Temática: La incertidumbre
que transmite la melodía también está presente en las líricas. Se habla de una
nave extraterrestre gigante que entorpece el sol, dejando a los habitantes de
la tierra sin escape posible, asunto que finalmente era una especie de broma,
nada serio: “it was just a laugh”. Esto podría estar aludiendo a una humanidad
que teme a una amenaza del espacio exterior e irónicamente no toma en serio
amenazas internas como el cambio climático global. Termina explotando en una outro
que parece desmarcarse del resto del tema: “¿Ya tuviste suficiente de mí?”,
pregunta un irritado Thom que ahora parece indiferente frente a la invasión,
muy ocupado de su tragedia personal y distante a ese que en Subterranean
Homesick Alien pedía ser abducido para ver la realidad de otra manera.
Impresiones: En la
secuencia, es el complemento perfecto de su antecesora y una de nuestras
favoritas. Me recuerda la tensa calma de Faust Arp (In Rainbows).
4. Desert Island Disk
Instrumento predominante: Cuerdas
luminosas y un coro fantasmal que le da una atmósfera etérea.
Temática: Su título es una
referencia a un programa de radio inglés de BBC4 donde famosos nombran 8
grabaciones o canciones que ellos se llevarían a una isla desierta. La letra de
la canción es bastante luminosa, de hecho alude directamente a la luz (“born of
a light” “switching on a light”). Habla de descubrir un nuevo estado mental,
incluso refiriéndose a atravesar una puerta hacia una nueva vida (recordando la
idea central del video de Daydreaming). Thom parece despertar de lo que ha sido
un largo sueño para finalmente concluir que diferentes tipos de amor son
posibles. Quizás el Thom más optimista dentro de todo el disco.
Impresiones: Probablemente
nunca la elegiríamos como uno de los 8 temas esenciales de Radiohead y es
quizás la canción menos memorable del disco. Sin embargo, a pesar de ser un
momento de transición y menor dentro del disco, gana con las escuchas y es
interesante por su letra.
5. Ful Stop
Instrumento predominante:
De las pocas canciones del disco donde el ritmo lo lleva un sintetizador y
percusiones, gentileza de Clive Deamer (colaborador de Portishead). De hecho,
la estructura rítmica de la canción recuerda mucho a The Rip de Portishead. Las
cuerdas aparecen en la mitad para incrementar esa sensación de urgencia que
transmite la canción.
Temática: Un lamento muy
sentido y rabioso de Thom Yorke. La verdad le duele (“Truth will mess you up (all the good times)”),
quiere volver a esos momentos felices (“Take me back again”) y a la vez parece
ser recriminar al mundo o a su pareja por el dolor causado (“You really messed
up everything”, “Why should I be good if you’re not”). Estas reflexiones
continúan más adelante en el disco, especialmente en Identikit, que también
habla de su pareja “messing around”.
Impresiones: Uno de los
mejores momentos del disco. Otro momento de tensión y distorsión, acompañado de
una lírica triste y una melodía potente y distintiva dentro del disco. Es lo
más parecido a una colaboración ficticia entre Radiohead de los 2000 y el
Portishead de Third.
Instrumento predominante: Tras
la intensa Ful Stop, Glass Eyes es una balada abundante en instrumentos de
cuerdas y un teclado que lleva el ritmo.
Temática: La frase “glass
eyes” puede estar aludiendo a tener los ojos llorosos. El protagonista parece
iniciar una conversación vía texto: “Hey, it’s me” y describe la frialdad de
una estación de tren llena de gente con caras poco amigables que le hacen
preguntarse si no es mejor comprar otro ticket y devolverse. Hace frío, pero
uno que proviene desde su interior “so cold, from the inside out”. Nos
enteramos de que no existe una respuesta a su texto “no message coming in”
mientras nos describe que el tren deja la ciudad, internándose en la naturaleza
hasta que el camino desaparece (¿Recuerdan el final del video de Daydreaming?).
Pero a él ya nada le importa, porque concluye sabiamente que ese amor se
enfrió: “I feel this love turn cold”.
Impresiones: La canción más
breve, ubicada exactamente al medio es un bonito intermedio que aborda
claramente el tópico central del álbum.
7. Identikit
Instrumento predominante: Una
guitarra de aires rockeros que se vuelve más intensa hacia el final. En el
centro de la canción aparece un sonido de cuerdas distorsionado (muy
Radiohead), acompañado de un coro fantasmal.
Temática: Un identikit es
básicamente un retrato hablado y la canción parece aludir a como construímos la
imagen de alguien amado. Thom sigue en plan emo, con su corazón roto (“Broken
hearts make it rain”, lamenta el coro), lidiando con una posible infidelidad de
la que no quiere saber (“When I see you messing me around/I don’t want to
know”) y su pérdida de fe en la humanidad. Por otro lado, contiene la frase que
da nombre al disco, A Moon Shaped Pool pero cantada de forma medio
indistinguible al principio de la canción.
Impresiones: Otra favorita
del disco. La melodía grita Radiohead por todos lados (podría calzar perfecto
en In Rainbows, por ejemplo), con Thom Yorke y su canto etéreo pero que
eventualmente desemboca en un lamento caótico, remarcado por ese guitarreo
sucio in crescendo. Además, es interesante como se va generando una narrativa
con las canciones anteriores.
Instrumento predominante: Un
piano y una guitarra marcan un ritmo liviano, relajado por gran parte de la
canción. Hacía el último tercio aparecen unos violines que aumentan la
intensidad de la melodía. Es probablemente la única canción del disco donde se
mezclan piano, guitarra y violín.
Temática: Acá abandonamos
las reflexiones sobre el amor y el quiebre para volver a reflexionar sobre la
humanidad. Es la canción del disco que más abiertamente se refiere a temáticas
medioambientales y la preocupación de Thom por el cambio climático. Los números
de los que habla el título de la canción, son en los que las industrias se
basan para las decisiones medioambientales actuales, algo que Thom critica
abiertamente (“The numbers don’t decide/Your system is a lie”). Lo que Thom
quiere es que la gente tome conciencia y se manifieste para recuperar lo que es
suyo (“Take back what is ours”). También llama a tener cuidado con la
influencia de los medios y el uso de la información. El coro parece dar una
visión esperanzadora de que estos conflictos se pueden resolver gradualmente
(“One day at a time”).
Impresiones: Una canción
con una reflexión muy adecuada para los tiempos actuales. Basta pensar en la
reciente polémica de las salmoneras en el sur de Chile. Otro buen momento del
disco, que además forma un interesante conjunto musical con la siguiente
canción, Present Tense.
9. Present Tense
Instrumento predominante: Cuerdas
y una base casi bossanova que podría ser alegre si no estuviera embrujada por
esos fantasmales coros de Thom.
Temática: Es muy clara, ya
que la primera estrofa habla de salir a bailar como el arma de autodefensa más
inocua de evasión: “no le hago daño a nadie mientras mi mundo se derrumba”. El
protagonista necesita distraerse porque ha terminado una relación, pero
manifiesta ganas de seguir luchando por ese amor “No voy a parar ahora, no voy
a aflojar o todo este amor será en vano”.
Impresiones: Otro punto
alto. El primer párrafo es perfecto. Además es gratificante escuchar a Thom y
los suyos hablando de cosas tan sencillas como un corazón roto que se pierde en
la pista de baile para olvidar, pero adaptado a su estilo.
10. Tinker Tailor
Soldier Sailor
Rich Man Poor Man Beggar Man Thief
Instrumento predominante: la
canción comienza con arreglos de sintetizador y teclados pero los que se roban
la película son los cinematográficos violines que se desatan en el clímax de la
canción
Temática: El título de la
canción alude a una famosa rima infantil inglesa, que también es usada por la
famosa novela de espías Tinker Tailor Soldier Spy de John LeCarre, donde los
espías usan nombres en clave tomados de la rima. Esta última referencia popular
podría tener relación con la búsqueda de identidad y/o sospecha referida en las
canciones previas. Es la canción con la letra más críptica del disco. Empieza
hablando de criaturas salvajes o desconocidas de esas que te hacen encender una
llama para ahuyentarlas (¿o podrían ser las brujas del principio del disco?).
Tanto los depredadores como los otros animales (peces, aves) parecen estar
solos y desconectados. Thom advierte: “cariño, ven conmigo antes que sea
demasiado tarde”. ¿Es una reflexión de la soledad y la dificultad de conectar
con alguien?
Impresiones: Una canción
misteriosa, oscura, desconcertante. No estamos seguros de lo que Thom nos
quiere decir pero esos arreglos orquestales con aires de banda sonora son
fascinantes.
11. True Love Waits
Instrumento Predominante: A
diferencia de la grabación acústica de 2001, esta versión se decanta por un
ritmo más lento y arreglos mínimos: un distorsionado teclado de notas
agridulces.
Temática: Una canción con
20 años de edad que fue inspirada, en parte, por la noticia real de un niño que
quedó solo en casa por 1 semana y durante ese tiempo se alimentó de caramelos y
snacks y principalmente por la espera, a veces dolorosa, del verdadero amor
(cualquier tipo de amor). “No vivo, solo mato el tiempo” y “Tan solo no te
vayas” en la lastimera voz de Thom duelen más, pero pese a aquello, también nos
afirma e impulsa a confiar en que el amor es eterno.
Impresiones: Una balada
altamente emotiva para cerrar un álbum es un clásico de Radiohead. No por eso
emociona menos. Creo que todos nos preguntamos por qué esta canción, por qué
ahora y a la vez creemos saber la respuesta. Quizás sea algo totalmente
distinto, pues con Radiohead nunca se sabe.
Spectre
(Bonus track)
Instrumento Predominante: Un
sombrío teclado dota de peso dramático a esta balada, cuyo in crescendo explota
en hermosos arreglos de cuerdas que complementan perfecto a la voz de Thom. Las
percusiones y la construcción del tema recuerdan a Pyramid Song.
Temática: Muy ligada a la
trama de Spectre, película de la saga de James Bond para la cual se encargó
este tema. Su letra nos habla de un personaje principal vulnerable y
desorientado “I’m lost, I’m a ghost, dispossessed”, que solo en el amor
encuentra verdad y seguridad “The only
truth that I could see is when you put your lips to me”, un
paréntesis en su peligrosa vida. Quizás frases como “Futures tricked by the
past” o “Anger is a poison” le dan un aire solemne, maduro y sobrenatural. El
personaje concluye que la muerte viene por él “Spectre has come for me”. Pese a
estar basada en Bond, encaja perfecto en la narrativa de AMSP aunque no forma
parte de él.
Impresiones: Lanzada en la
víspera de Navidad el año pasado, debido a que su inclusión en la BSO de
Spectre no se concretó por razones no especificadas por la banda, Spectre
sorprendió a todo el mundo. Lejos de ser un single por encargo, Spectre es una
canción al nivel de otras amadas “baladas trascendentales” de la banda como
Pyramid Song o How To Disappear Completely. Es raro pensar que la canción
elegida para la BSO fue una de Sam Smith y que un tema de Radiohead podría
haber sido nominado/ganador de un premio Oscar.
En primeras oídas, el álbum en su conjunto nos pareció desconcertante,
ya que sus canciones transmiten inquietud, tensión, rabia, pena...pero por otro
lado también calma y confianza, como si se tratara de una sanación. Un planeta
que se derrumba o que está bajo amenaza como la metáfora del derrumbe de una
relación, con el dolor y la incertidumbre que ello produce nos lleva a pensar
que eso es lo que busca plasmar el título, de una manera más poética: “a moon
shaped pool”. Escuchar a Thom en el 2016 es escuchar a un hombre dolido en
medio de un proceso doloroso y también es sumergirse en una piscina de
emociones cambiantes, ya que la luna no tiene una forma definida, si no muchas
a lo largo del mes (ciclos lunares). En el tarot la luna se ha asociado desde
siempre con las emociones. AMSP es un conjunto de melodías y sensaciones desconcertantes
que reflejan este mundo abrumador e indefinido en el cual vivimos. C & F.
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