viernes, 20 de mayo de 2016

Radiohead - A Moon Shaped Pool (2016)




5 años han pasado desde la publicación de The King Of Limbs, uno de los puntos bajos en la discografía de Radiohead para esta redacción. Tras tanto tiempo transcurrido y considerando el historial de reinvención y búsqueda musical constante de la banda, la verdad es que no sabíamos a qué atenernos: ¿Buscarían nuevamente crear ese nuevo sonido que cambió la historia de la música (Ok Computer, Kid A), se inclinarían por denunciar las vicisitudes del mundo actual (Ok Computer, Hail To The Thief) o (lo más probable) harían algo totalmente diferente?

En un año donde el mundo de la música evidencia como nunca el cambio en la industria, pues hemos estado constantemente a punto de morir de un infarto con los lanzamientos sorpresa de James Blake, Anohni y, yendo un poco más lejos, Beach House el año pasado. En ese marco, y en el de una banda acostumbrada a hacer statements en cada lanzamiento como Radiohead, aunque lo tenían difícil, nuevamente lograron sorprendernos. Esta vez borrando toda la información de sus plataformas digitales y lanzando breves adelantos vía Instagram, con tan solo horas de diferencia con los estrenos oficiales de las canciones respectivas. El mensaje de una banda que renegaba de Spotify hace tiempo atrás, esta vez parece ser que sí se puede hacer un uso inteligente y provocador de las redes sociales y que ellas están a nuestro servicio y no al revés.





Instrumento predominante: violines rabiosos y cuerdas filosas, reminiscentes del trabajo solista de Jonny Greenwood y gentileza de la London Contemporary Orchestra (que participa en gran parte del disco).
Temática: Cacería de brujas, probablemente apuntando a diversos conflictos sociales actuales incluyendo la crisis de los refugiados en Europa y la paranoia que los ha acompañado (“This a low flying panic attack”). Su refuerzo audiovisual que apela a imaginería inglesa infantil (acompañada de demanda por derechos de autor) y a la película clásica de terror inglesa The Wicker Man.
Impresiones: Gran comienzo del disco. Los dramáticos arreglos orquestales son de lujo y agregan una tensión y sensación de caos que no escuchábamos desde el Hail to the Thief. De hecho, algunas frases de la canción parecen provenir de dicha época, y así como otras canciones de este disco, corresponde a una canción creada hace al menos 10 años.



Instrumento predominante: Esta canción se construye sobre un delicado teclado, sin distorsiones y algunas atmósferas más bien oníricas.
Temática: Delicada y calma, a primera oída habla de cómo los soñadores pueden fácilmente perder contacto con la realidad en la búsqueda de concretar sus sueños, descuidando lo realmente importante. El video muestra a un demacrado Thom Yorke atravesando puerta tras puerta entre las que se encuentran distintos y luminosos aconteceres cotidianos y ajenos a él, con los que no puede conectarse, finalmente escapando para dormir, sin soñar, cansado de luchar. Si nos vamos a la vida personal de Thom (Espías del Amor Indie #modeon), es como si idealizara esos pequeños momentos del día a día vividos con su familia, ahora perdidos, imposibilitado de volver el tiempo atrás #Pray4Thom.
Impresiones: Escuchada dentro del contexto, después de un tema más bien intenso, queda claro que es uno de los temas más tristes y medulares del álbum, el ejemplar perfecto de la era AMSP.

3. Decks Dark

Instrumento predominante: Capas superpuestas. Primero una tímida base, luego un teclado luminoso, una guitarra distorsionada hasta lo irreconocible y un coro que completa la muralla de sonido, dotando de épica y tragedia al tema.
Temática: La incertidumbre que transmite la melodía también está presente en las líricas. Se habla de una nave extraterrestre gigante que entorpece el sol, dejando a los habitantes de la tierra sin escape posible, asunto que finalmente era una especie de broma, nada serio: “it was just a laugh”. Esto podría estar aludiendo a una humanidad que teme a una amenaza del espacio exterior e irónicamente no toma en serio amenazas internas como el cambio climático global. Termina explotando en una outro que parece desmarcarse del resto del tema: “¿Ya tuviste suficiente de mí?”, pregunta un irritado Thom que ahora parece indiferente frente a la invasión, muy ocupado de su tragedia personal y distante a ese que en Subterranean Homesick Alien pedía ser abducido para ver la realidad de otra manera.
Impresiones: En la secuencia, es el complemento perfecto de su antecesora y una de nuestras favoritas. Me recuerda la tensa calma de Faust Arp (In Rainbows).

4. Desert Island Disk

Instrumento predominante: Cuerdas luminosas y un coro fantasmal que le da una atmósfera etérea.
Temática: Su título es una referencia a un programa de radio inglés de BBC4 donde famosos nombran 8 grabaciones o canciones que ellos se llevarían a una isla desierta. La letra de la canción es bastante luminosa, de hecho alude directamente a la luz (“born of a light” “switching on a light”). Habla de descubrir un nuevo estado mental, incluso refiriéndose a atravesar una puerta hacia una nueva vida (recordando la idea central del video de Daydreaming). Thom parece despertar de lo que ha sido un largo sueño para finalmente concluir que diferentes tipos de amor son posibles. Quizás el Thom más optimista dentro de todo el disco.
Impresiones: Probablemente nunca la elegiríamos como uno de los 8 temas esenciales de Radiohead y es quizás la canción menos memorable del disco. Sin embargo, a pesar de ser un momento de transición y menor dentro del disco, gana con las escuchas y es interesante por su letra.

5. Ful Stop

Instrumento predominante: De las pocas canciones del disco donde el ritmo lo lleva un sintetizador y percusiones, gentileza de Clive Deamer (colaborador de Portishead). De hecho, la estructura rítmica de la canción recuerda mucho a The Rip de Portishead. Las cuerdas aparecen en la mitad para incrementar esa sensación de urgencia que transmite la canción.
Temática: Un lamento muy sentido y rabioso de Thom Yorke. La verdad le duele (“Truth will mess you up (all the good times)”), quiere volver a esos momentos felices (“Take me back again”) y a la vez parece ser recriminar al mundo o a su pareja por el dolor causado (“You really messed up everything”, “Why should I be good if you’re not”). Estas reflexiones continúan más adelante en el disco, especialmente en Identikit, que también habla de su pareja “messing around”.
Impresiones: Uno de los mejores momentos del disco. Otro momento de tensión y distorsión, acompañado de una lírica triste y una melodía potente y distintiva dentro del disco. Es lo más parecido a una colaboración ficticia entre Radiohead de los 2000 y el Portishead de Third.


Instrumento predominante: Tras la intensa Ful Stop, Glass Eyes es una balada abundante en instrumentos de cuerdas y un teclado que lleva el ritmo.
Temática: La frase “glass eyes” puede estar aludiendo a tener los ojos llorosos. El protagonista parece iniciar una conversación vía texto: “Hey, it’s me” y describe la frialdad de una estación de tren llena de gente con caras poco amigables que le hacen preguntarse si no es mejor comprar otro ticket y devolverse. Hace frío, pero uno que proviene desde su interior “so cold, from the inside out”. Nos enteramos de que no existe una respuesta a su texto “no message coming in” mientras nos describe que el tren deja la ciudad, internándose en la naturaleza hasta que el camino desaparece (¿Recuerdan el final del video de Daydreaming?). Pero a él ya nada le importa, porque concluye sabiamente que ese amor se enfrió: “I feel this love turn cold”.
Impresiones: La canción más breve, ubicada exactamente al medio es un bonito intermedio que aborda claramente el tópico central del álbum.

7. Identikit

Instrumento predominante: Una guitarra de aires rockeros que se vuelve más intensa hacia el final. En el centro de la canción aparece un sonido de cuerdas distorsionado (muy Radiohead), acompañado de un coro fantasmal.
Temática: Un identikit es básicamente un retrato hablado y la canción parece aludir a como construímos la imagen de alguien amado. Thom sigue en plan emo, con su corazón roto (“Broken hearts make it rain”, lamenta el coro), lidiando con una posible infidelidad de la que no quiere saber (“When I see you messing me around/I don’t want to know”) y su pérdida de fe en la humanidad. Por otro lado, contiene la frase que da nombre al disco, A Moon Shaped Pool pero cantada de forma medio indistinguible al principio de la canción.
Impresiones: Otra favorita del disco. La melodía grita Radiohead por todos lados (podría calzar perfecto en In Rainbows, por ejemplo), con Thom Yorke y su canto etéreo pero que eventualmente desemboca en un lamento caótico, remarcado por ese guitarreo sucio in crescendo. Además, es interesante como se va generando una narrativa con las canciones anteriores.


Instrumento predominante: Un piano y una guitarra marcan un ritmo liviano, relajado por gran parte de la canción. Hacía el último tercio aparecen unos violines que aumentan la intensidad de la melodía. Es probablemente la única canción del disco donde se mezclan piano, guitarra y violín.
Temática: Acá abandonamos las reflexiones sobre el amor y el quiebre para volver a reflexionar sobre la humanidad. Es la canción del disco que más abiertamente se refiere a temáticas medioambientales y la preocupación de Thom por el cambio climático. Los números de los que habla el título de la canción, son en los que las industrias se basan para las decisiones medioambientales actuales, algo que Thom critica abiertamente (“The numbers don’t decide/Your system is a lie”). Lo que Thom quiere es que la gente tome conciencia y se manifieste para recuperar lo que es suyo (“Take back what is ours”). También llama a tener cuidado con la influencia de los medios y el uso de la información. El coro parece dar una visión esperanzadora de que estos conflictos se pueden resolver gradualmente (“One day at a time”).
Impresiones: Una canción con una reflexión muy adecuada para los tiempos actuales. Basta pensar en la reciente polémica de las salmoneras en el sur de Chile. Otro buen momento del disco, que además forma un interesante conjunto musical con la siguiente canción, Present Tense. 

9. Present Tense

Instrumento predominante: Cuerdas y una base casi bossanova que podría ser alegre si no estuviera embrujada por esos fantasmales coros de Thom.
Temática: Es muy clara, ya que la primera estrofa habla de salir a bailar como el arma de autodefensa más inocua de evasión: “no le hago daño a nadie mientras mi mundo se derrumba”. El protagonista necesita distraerse porque ha terminado una relación, pero manifiesta ganas de seguir luchando por ese amor “No voy a parar ahora, no voy a aflojar o todo este amor será en vano”.
Impresiones: Otro punto alto. El primer párrafo es perfecto. Además es gratificante escuchar a Thom y los suyos hablando de cosas tan sencillas como un corazón roto que se pierde en la pista de baile para olvidar, pero adaptado a su estilo.

10. Tinker Tailor Soldier Sailor 
Rich Man Poor Man Beggar Man Thief

Instrumento predominante: la canción comienza con arreglos de sintetizador y teclados pero los que se roban la película son los cinematográficos violines que se desatan en el clímax de la canción
Temática: El título de la canción alude a una famosa rima infantil inglesa, que también es usada por la famosa novela de espías Tinker Tailor Soldier Spy de John LeCarre, donde los espías usan nombres en clave tomados de la rima. Esta última referencia popular podría tener relación con la búsqueda de identidad y/o sospecha referida en las canciones previas. Es la canción con la letra más críptica del disco. Empieza hablando de criaturas salvajes o desconocidas de esas que te hacen encender una llama para ahuyentarlas (¿o podrían ser las brujas del principio del disco?). Tanto los depredadores como los otros animales (peces, aves) parecen estar solos y desconectados. Thom advierte: “cariño, ven conmigo antes que sea demasiado tarde”. ¿Es una reflexión de la soledad y la dificultad de conectar con alguien?
Impresiones: Una canción misteriosa, oscura, desconcertante. No estamos seguros de lo que Thom nos quiere decir pero esos arreglos orquestales con aires de banda sonora son fascinantes.

11. True Love Waits

Instrumento Predominante: A diferencia de la grabación acústica de 2001, esta versión se decanta por un ritmo más lento y arreglos mínimos: un distorsionado teclado de notas agridulces.
Temática: Una canción con 20 años de edad que fue inspirada, en parte, por la noticia real de un niño que quedó solo en casa por 1 semana y durante ese tiempo se alimentó de caramelos y snacks y principalmente por la espera, a veces dolorosa, del verdadero amor (cualquier tipo de amor). “No vivo, solo mato el tiempo” y “Tan solo no te vayas” en la lastimera voz de Thom duelen más, pero pese a aquello, también nos afirma e impulsa a confiar en que el amor es eterno.  
Impresiones: Una balada altamente emotiva para cerrar un álbum es un clásico de Radiohead. No por eso emociona menos. Creo que todos nos preguntamos por qué esta canción, por qué ahora y a la vez creemos saber la respuesta. Quizás sea algo totalmente distinto, pues con Radiohead nunca se sabe.

Spectre
(Bonus track)

Instrumento Predominante: Un sombrío teclado dota de peso dramático a esta balada, cuyo in crescendo explota en hermosos arreglos de cuerdas que complementan perfecto a la voz de Thom. Las percusiones y la construcción del tema recuerdan a Pyramid Song.
Temática: Muy ligada a la trama de Spectre, película de la saga de James Bond para la cual se encargó este tema. Su letra nos habla de un personaje principal vulnerable y desorientado “I’m lost, I’m a ghost, dispossessed”, que solo en el amor encuentra verdad y seguridad “The only truth that I could see is when you put your lips to me”, un paréntesis en su peligrosa vida. Quizás frases como “Futures tricked by the past” o “Anger is a poison” le dan un aire solemne, maduro y sobrenatural. El personaje concluye que la muerte viene por él “Spectre has come for me”. Pese a estar basada en Bond, encaja perfecto en la narrativa de AMSP aunque no forma parte de él.
Impresiones: Lanzada en la víspera de Navidad el año pasado, debido a que su inclusión en la BSO de Spectre no se concretó por razones no especificadas por la banda, Spectre sorprendió a todo el mundo. Lejos de ser un single por encargo, Spectre es una canción al nivel de otras amadas “baladas trascendentales” de la banda como Pyramid Song o How To Disappear Completely. Es raro pensar que la canción elegida para la BSO fue una de Sam Smith y que un tema de Radiohead podría haber sido nominado/ganador de un premio Oscar.



En primeras oídas, el álbum en su conjunto nos pareció desconcertante, ya que sus canciones transmiten inquietud, tensión, rabia, pena...pero por otro lado también calma y confianza, como si se tratara de una sanación. Un planeta que se derrumba o que está bajo amenaza como la metáfora del derrumbe de una relación, con el dolor y la incertidumbre que ello produce nos lleva a pensar que eso es lo que busca plasmar el título, de una manera más poética: “a moon shaped pool”. Escuchar a Thom en el 2016 es escuchar a un hombre dolido en medio de un proceso doloroso y también es sumergirse en una piscina de emociones cambiantes, ya que la luna no tiene una forma definida, si no muchas a lo largo del mes (ciclos lunares). En el tarot la luna se ha asociado desde siempre con las emociones. AMSP es un conjunto de melodías y sensaciones desconcertantes que reflejan este mundo abrumador e indefinido en el cual vivimos. C & F.

1 comentario:

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